关于吉他乐器的物理性能和演奏的音乐现

关于吉他乐器的物理性能和演奏的音乐现

这是一个道理十分浅显的问题，但是一旦论述起来，还真的关系到方方面面。我想写这样一篇专门的文章已经很久了，但是一直没有付诸实现。最近看到很多朋友就这个问题提出很多疑问，有些片面否定乐器的作用，有的忽视了演奏者的重要性（第一性），因此，我在本站论坛发起关于这个问题的讨论，抛砖引玉，非常高兴得到很多朋友的响应与支持，现在将有关文章集中于此供大家参考：

我国著名吉他演奏家方放先生的观点：

乐器对于演奏者的来说，应该是一个尽可能不要制约演奏者表现的工具，主要的性能有以下几个方面，而这几个方面也就是大师琴成其为大师琴、工厂琴所以是工厂琴的原因吧。

1：音准的精确。或许大家可能认为音准的问题只存在低级的工厂琴里，但问题其实并不这么简单，如果从很专业的要求来说，远远不是根据十二平均律的公式在指板上安琴品就可以了，大师琴一般还会在前后琴码和指板上用各种方法对音准做出修正和补偿，以求得最精确的音准。

2：音量的大小。对于吉他来说，如果乐器本身的音量再比较小的话，在较大一些的场合听众欣赏演奏者的音乐就会比较困难，更不要说和其他乐器合作或有乐团协奏了。但吉他音量同样不是一个简单的问题；一些不太差的工厂琴在房间里给人的感觉并不比大师琴小多少，可如果到了真正的音乐厅里，差距是非常明显的。即使不考虑在音乐厅里的演奏，一把音量大的琴其强弱区间也必然较大，这样演奏者的音乐起伏空间也就会比较自由，这对于音乐表现具有极其重要的意义。 

3：声音的延续。如果延音较短，在弹奏歌唱感旋律时会比较困难，从而迫使演奏者大量使用揉弦加长声音的延续，但揉弦并不是在所有场合都可以并且适合使用的。而且乐器的延音长短会影响到声音的远达性，进而直接影响乐器在大场合的表现。 

4：声音的平衡。在拿到一把琴时，大家常常会说：这把琴高音好一些或低音好一些；这是一般意义上的声音的平衡性能的认识，其他还有吉他各个弦的音色应比较统一，声音过渡自然；各个品上也应没有狼音；琴的高把位声音不应过分偏紧。如果琴的平衡有问题，音乐的平衡也会同样出问题，通过右手的控制来解决是极为困难的。

5：声部的层次。时常可以看见琴友拿到一把吉他时，是弹奏一段单音旋律来试琴的音色和音量来判断琴的好坏。这或许不是一个很全面的试琴方法，因为即使琴的音准、音量和音色都没有什么问题，但如果声部的层次有问题，那在实际的应用里还是不能说是一把合格的演奏琴，吉他是和声类乐器而非旋律性乐器，绝大部分乐曲是多声部音乐，如果琴的层次不好，演奏多声部时会较为含糊，使人难以听清。这个问题在吉他中比较常见，有些较为昂贵的琴也会有这个缺点。 

6:反应的敏感。琴友常常会有这种感觉：拿到好琴后反而自己的演奏听上去有所下降，这就是因为良好的乐器都十分敏感，如果原来有一些缺点，那么在好琴上就会更明显的凸现出来。而这种特性正是绝对不能缺少的，乐器需要对演奏者手上每个微小的变化做出反应，否则演奏者音量和音色变化都会变的不明显，这时弹奏出的实际音乐和演奏者希望达到的音乐会有较大的差距。 

7：音色与气质。这一点是较难用文字来表达的，每一把优秀的乐器都有自己独特的音色气质，这种音色和气质会决定这个乐器适合演奏什么风格类型的音乐，两者相得益彰时，音乐与乐器水乳交融，会有极强的魅力。当然这不是说这个乐器就不适合弹奏其他风格的音乐，好的乐器的适应面也是很宽的，只是他特有的气质会最适合某一种音乐。

总的来说；如果演奏是东施，一把好琴并不能使之成为西施；但如果好的演奏和一个差的乐器在一起，纵然国色天香，那也不过粗服乱头罢了。

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1：如果节奏和基础动作有问题，那么其他方面也不会好到那里去。

2：任何一个基础动作练习不好，都会导致将来的一系列问题。如手指到位不好、不够直立压弦，那么除了演奏把握性会受影响，圆滑音的质量也没有保证，然后所有关于圆滑音的装饰音也同样会有问题，左手独奏也会变的极难弹奏了。

3：为一首乐曲确立指法前非常谨慎，指法对弹奏的影响比一般习琴者认为的要重要的多。但是一旦确定了指法，那么在以后的练习里一定要严格做到，尽快的养成弹奏习惯。

4：不要随便的否定或接受书上其他演奏者的指法标注，一定要明白一个指法的含义以后再接受它或否定它。如有没有声部连接、音乐色彩、方便演奏等等的意义。

5：一个不好的指法常常包含了指法连用，安排指法时候要特别的注意。所谓指法连用就是右手的同一指接连的使用（除了p指），所以一定要交替使用；左手同样有这个问题：同一弦上的的同一指可以连用，但是不同弦之间的一定尽量避免。

6：每个阶段以至每次的练习都要有清晰的目的，如果练习的是音阶，那么可以考虑练习目的是音阶的起伏还是速度或是其他的目的，然后再考虑通过什么样的手段练习才能达到这个目的，这样的练习才能算是高效率的练习。

7：如果练习时间不很多，但是又有几个练习类型要练习，那么应该一次就集中练习一个类型，下次再集中练习另一个类型，这样的效果要好于一次练习好几个不同类型的练习，同样的道理也适用于乐曲的练习。

8：慢速练习对于练习的意义是非常大的，但是要注意在慢速的练习时，音乐的乐句呼吸和起伏同样也要做出来，不然到了乐曲正常的速度的时候，这些就会因为养成了习惯而做不出来了，而且因为慢速练习在练习里占很大的成分，如果不注意音乐表情，将会养成很不好的习惯，慢慢的音乐就会失去活力。

9：在不能准确的完成乐曲的每一乐句的节奏下，先不要做一些自由式的处理。任何一个演奏家对某一部分自由处理时，他也可以弹奏那个部分的准确节奏，在明白准确节奏的基础上做自由处理，才是有源之水。（p.s其实大部分的西方音乐可以做的自由处理并不是象一般琴友想象的那么多。）

10：时常可以见到很多琴友问如何去选择练习曲或乐曲，没错“选择什么”是一个重要的问题，但更重要的是“如何弹奏”，就是说用什么样的方法来练习或演奏；而最为重要的是“表达什么”，即使有很好的乐曲，有很好的技术去操纵它，但是如果忘记了要“表达什么”，这样的音乐也是毫无意义的。其实这种情况在器乐演奏相当的常见；由于器乐的演奏技巧具有相当的难度，为了完成好一个乐曲，我们会对很多技术或处理的细节花费大量的精力和注意力：”谨毫发者失仪“，在对细节雕琢中，我们忘记了我们为什么要演奏音乐了、、、、、也就是常说的：他在弹奏，但是他不知道他在做什么。所以，任何时候我们不要忘记我们弹奏的音乐要表达什么，如果实在无话可说，那么还不如保持沉默。